Шедевры живописи великих русских художников

Культура России относится к мировому наследию, которое берет свое начало от византийских истоков. В течение столетий художники изменяли западные каноны, вырабатывая собственный стиль. И в настоящее время известные картины величайших отечественных живописцев входят в коллекции самых популярных музеев мира.

Древнерусская иконопись

Впервые требования к иконам были озвучены на Вселенском соборе, проходившем в 842 году. В написании картин использовали только природные краски, для полноты палитры их смешивали с соком растений и яичным желтком. Основой служили струганные доски. Для прочности поверхность часто покрывали холстом, который грунтовали и пропитывали олифой.

В отличие от европейской иконописной школы русские художники избегали объема, предпочитая делать фигуры плоскими. Такая особенность возникла в результате невозможности правдиво изобразить неведомое, можно только обозначить условный человеческий облик.

Первые иконы писались в Киеве. Но впоследствии иконопись получила развитие в Новгородской области, где византийские традиции смешались с народными. Кроме плоских фигур, для православных образов характерны:

• использование большей палитры, в частности, бледно-желтых и зеленых цветов;
• обводка фигур черным контуром;
• тщательная прорисовка мелких деталей.

Изначально размер не отличался от канонического, но позднее параметры уменьшились, а детали стали более подробными.

Спас Нерукотворный

Автор образа Спасителя московский живописец Симон Ушаков, живший в 1626—1686 гг. В начале творчества делал эскизы церковной утвари из эмалированных и драгоценных металлов, но вскоре достиг уровня мастера и стал ведущим иконописцем Москвы. В 1664 был переведен в Оружейную палату и возглавил художников при царском дворе, создал собственную иконописную школу.

Долгое время авторство Ушакова подвергалось сомнению — подпись, сохраненная под платом, была обновленной. Но во время реставрации было доказано, что изначальная надпись соответствует автографу, который оставлял иконописец на полотнах, созданных в период с 1660 по 1670 г.

Владимирская икона Божией Матери

По преданию, образ Богоматери еще при жизни Христа запечатлел евангелист Лука. Полотно подвергалось доработке не менее четырех раз, были увеличены поля. Впервые изменения внес знаменитый иконописец Андрей Рублев, впоследствии трижды проходила реставрация. Эксперты констатируют факт, что от начального образа остались лишь небольшие фрагменты.

В отличие от подобных изображений Богоматери европейской школы у младенца Иисуса видна пяточка левой ножки. Хотя икона была привезена в дар из Константинополя, не исключено, что в ее создании участвовал русский живописец. На оборотной стороне присутствуют следы второго образа — возможно, Николая Чудотворца. Часть экспертов уверена, что оборотная сторона отведена под изображение пустого престола, на который после второго пришествия воссядет Миссия.

Андрей Рублев «Троица»

Рублев, живший в Московской или Новгородской области в XIV—XV веках, был первым из иконописцев причислен к лику Святых. Достоверной информации о детстве и юношеских годах нет. Примерно в 1405 Андрей Рублев стал иноком и практически сразу был допущен к росписи домовой церкви старшего сына Дмитрия Донского, что говорит о высоком уровне мастерства.

«Троица» Рублева впервые нарушила каноны изображения легендарного события – явления Отца, Сына и Святого Духа в дом Сары и Авраама. Ранее было принято включать в сюжет гостеприимный стол для трапезы и хозяев. Рублев совершил невероятный по тем временам скачок, остановив внимание на молчаливой беседе высших существ, принявших облик странников.

Феофан Грек «Донская икона Божией Матери»

Точная дата рождения великого иконописца неизвестна — приблизительно 1340 год. К 1370 работы Феофана украсили более 40 храмов Византийской империи. Однако вскоре из-за недопонимания его творчества соотечественниками иконописец переехал в Новгород, где был прозван «Греком».

Большую известность принесли фрески. Среди знаковых — икона с ликом Богоматери, держащей на руках младенца Иисуса. Образ является двухсторонним — с обратной стороны изображено Успение Богоматери. Авторство Феофана не подтверждено, однако тщательная прорисовка мелких деталей говорит в его пользу.

Дионисий «Распятие»

Первый иконописец, принадлежащий светскому сословию. Появился на свет в 1400 г., скончался приблизительно в 1507—1508. Придерживался школы иконописи, созданной Андреем Рублевым. Получил известность в молодом возрасте после росписи собора в Пафнутьево-Боровском монастыре.

Интересно, что идея «Распятия» (примерно 1500) не является оригинальной. Изображение явно списано с иконы, созданной группой во главе с Даниилом Черным и Андреем Рублевым. Сюжет, композиция, положение рук и даже складки одеяний совпадают практически полностью. Отличие в отсутствии внешней скорби в изображении фигур Иоанна и Богородицы. Эксперты не исключают варианта, при котором прообразом обоих творений стала более ранняя византийская работа.

Русский авангард

Официальной датой зарождения нового стиля изобразительного искусства можно считать 1907 год, когда в Москве возникло сообщество «Голубая роза». Участникам организации был свойственен легкий романтизм, уходящий корнями в творчество импрессионистов, и бунтарство. Сам термин «авангард» приобрел популярность позже. Изначально названия подчеркивали оппозиционный характер и новизну творений — «левые художники», «футуристы», «будущники».

Сначала авангардизм не был широко поддержан. Направление даже сравнивали с болезнью, которой необходимо переболеть для дальнейшей эволюции.

С развалом СССР русские авангардисты обрели популярность на Западе. Композиции футуристов выставлялись на аукционах за огромные деньги. В результате пошла волна фальсификаций, подделки выявляют до сих пор. В бельгийском музее Гента из-за сомнительной подлинности собрания Топоровского В. В. директор Катрин де Зегер даже потеряла должность.

Кузьма Петров-Водкин «Купание красного коня»

Уроженец Саратовской губернии появился на свет в 1878, ушел из жизни в 1939 г. С 12 лет учился писать иконы, профессиональные творческие навыки получал в Петербурге, Москве и в Мюнхене. В стиле Петрова-Водкина прослеживается уникальное сочетание иконописи с символизмом и народными мифами.

«Купания красного коня» часто называют аллегорической картиной, предсказывающей судьбу империи. Сам красный цвет прямо указывает на кровавые события, с которыми предстоит столкнуться стране в ближайшие годы — Первая мировая, революция 17-го года, Гражданская война. Мальчик-наездник выглядит слишком хрупким, чтобы справиться с неотвратимой мощью коня, но поза подростка практически повторяет образ Георгия Победоносца, символизирующего победу добра.

Казимир Малевич «Черный квадрат»

Казимир Северинович родился в 1879 в Кракове, скончался в 1939 в Ленинграде. Является основоположником одного из центральных направлений абстракционизма — супрематизма. В основе названия латинский термин «супрем», что означает превосходство. Трактовать слово «супрематизм» можно, как доминирование цвета над остальными компонентами произведения.

«Черный квадрат» стал первым в серии из трех композиций. Трансформация квадрата должна привести к образованию креста, а вращение — круга. Вся серия означала путь от полной статики до бесконечного движения.

Василий Кандинский «Композиция VII»

Василий Васильевич появился на свет в Москве, в 1866, умер в 1944 во Франции. Получил музыкальное и театрально-художественное образование, служил директором типографии. В 30 лет попал под магию творчества импрессионистов и решил кардинально поменять карьеру — отказался от места приват-доцента в Дерптском университете и отправился в Мюнхен.

«Композиция VII» считается ключевой работой Кандинского, которая полностью воплощает идею разложения сюжетной линии на хаотические цветные прочерки и пятна. Сам автор утверждал, что живопись напоминает распад атома на мельчайшие частицы. По мнению исследователей, холст воплощает идею библейского потопа, который привел к обновлению мира и к заключению договора между Господом и людьми.

Марк Шагал «Над городом»

Родившийся в Витебске в 1887 Марк Захарович никогда не искал легких путей. Обучался в Петербурге, не имея положенного евреям разрешения, скитался и бедствовал. По его словам, стремился в своих картинах воплотить мечту о непохожем на другие мире, где нечему удивляться, но чувство удивления не прекращается. Выработал оригинальный стиль, в котором смешались библейские мотивы с житейским трагизмом и юмором. С 1905 г., получив помощь мецената, уезжает в Париж, где совершенствует навыки, добиваясь прозрачного и светлого цвета.

«Над городом» — одно из самых популярных полотен русского художника. Романтичная идея полета над бытом стала симфонией, посвященной любви к женщине. Однако не стоит излишне романтизировать окружающий мир, вид всегда может подпортить некто, бесстыдно справляющий нужду у забора.

Михаил Ларионов «Отдыхающий солдат»

Основатель авангардистского направления «лучизм», родившийся в Херсонской губернии в 1881, скончался в 1964. В начале творческой карьеры склонялся к импрессионизму, а с 1907 увлекся примитивизмом, который характеризуется резкими формами и сочными цветами. «Лучизм» стал примером беспредметного творчества, когда изображение состоит из пересечения отраженных лучей.

«Отдыхающий солдат», выполненный в примитивном стиле, входит в серию, описывающую быт военнослужащего на основании личного опыта. Бессмысленно-счастливое выражение лица и содержательные надписи на заборе — прямая отсылка к традиционным лубочным изображениям. Фигура с переплетенными ногами и неестественной позой напоминает тряпичную куклу из ярмарочного балагана.

Русский пейзаж в живописи

С открытием Императорской академии художеств появились первые российские пейзажисты. Изначально копировали манеру итальянских мастеров, которым было свойственно:

• идеальное изображение природы с отсутствием недостатков;
• величественность панорамы, наводящая на воспоминании об античных мифах.

Пейзажи описывали красоты ландшафта и принижали значимость человека — людские фигуры были практически незаметными.

Привычный европейский стиль нарушил Никифор Крылов, всю жизнь проживший в Российской империи. Крылов изобразил реальную картину, увиденную из окна — солнечный зимний день с первозданно чистым снегом, деревья с голыми ветвями и группу жителей деревни на переднем плане. Можно считать, что «Русская зима» стала первой ласточкой в развитии национального пейзажа и в появлении художников-передвижников, внесших немало изменений в отечественное изобразительное искусство.

Алексей Саврасов «Грачи прилетели»

Алексей Кондратьевич родился в Москве в 1830, скончался в 1897. Являлся академиком художеств и одним из основателей Товарищества передвижников. Страдал алкоголизмом, старость провел в нищете. По мнению современников, отличался безграничной любовью к российской природе, с интимным восприятием ее красоты.

«Грачи прилетели»  критики сравнивали с высокой поэзией, воспевающей величие природы. Произведение стало ярким образцом пейзажа настроения с элементами душевного терзания, разбавленного философией. Впоследствии Саврасов создал еще несколько тем о грачах, но ни одно из произведений не получило широкой известности.

Иван Айвазовский «Девятый вал»

В 1817 на свет появился выдающийся маринист, академик и почетный член художественных школ Рима, Амстердама, Флоренции, Парижа, Штутгарта, который большую часть жизни провел в Крыму. Морской тематике посвящено более половины полотен знаменитого мастера.

Шедевр маринистики, «Девятый вал», появился благодаря народному поверью — во время шторма самой губительной силой обладает девятая волна. Прообразом стал реальный случай, когда Айвазовский попал в бурю в Бискайском заливе и спасся чудом. Но местные газеты уже успели «похоронить» знаменитость из России.

Архип Куинджи «Лунная ночь на Днепре»

Долгое время Архип, появившийся на свет примерно в 1942, оставался непризнанным — ведущие мастера отказывались брать в ученики молодого грека, а поступить в Питерское учебное заведение юноша смог только с третьего раза. В период обучения увлекся идеей передвижничества. Сначала создавал достаточно мрачные сюжеты, показывающие неприглядность реального мира, позднее пришел к романтизму, отмеченному французскими критиками.

«Лунную ночь на Днепре» часто ассоциируют с произведениями Гоголя. Картина создана на пике творчества Куинджи, во времена экспериментов с контрастными цветами и освещением. Автор, несомненно, был доволен результатом, так как только на этом полотне поставил полную дату завершения труда — 5 сентября 1880.

Исаак Левитан «Над вечным покоем»

Исаак Ильич родился в Ковенской губернии в 1860 г. Поступил в училище живописи, зодчества и ваяния в Москве. Увлекся ландшафтным пейзажем и к 20 годам создал более 60 холстов, посвященных природе Крыма. Наиболее плодотворные годы, начиная с 1889 до смерти в 1900, проведены под покровительством и в имении купца Морозова.

«Над вечным покоем» (1994, Третьяковская галерея) наполнена тоской и одиночеством, которые испытывает человек перед лицом вечности. В своей работе Исаак Левитан воплотил собственные мысли о суетности, бренности и скоротечности жизни. Впоследствии произведение вдохновило Николая Рубцова, который написал одноименное стихотворение.

Иван Шишкин «Утро в сосновом лесу»

Гравер, рисовальщик и пейзажист родился в 1832 году в Елабуге, скончался в 1898 в Санкт-Петербурге. Считается одним из наиболее крупных представителей реалистического пейзажа. Учился в Императорской академии, с 1861 набирался опыта за границей, увлекался гравировкой.

Изначально «Утро в сосновом бору» представляло чистый пейзаж, созданный по мотивам поездки на Селигер. Идею разместить на переднем плане косолапых и сделать сюжет динамичнее, подсказал Константин Савицкий. Шишкин сомневался в своих способностях анималиста, поэтому прорисовку медвежат Савицкий взял на себя. На полотне стояли автографы обоих пейзажистов, но купивший холст Третьяков просто стер фамилию второго автора.

Бытовой жанр в русской живописи

С середины XIX века расцвел жанр реализма, пришедший на смену романтическим настроениям. Направление строилось на демонстрации и анализе жизни обычного человека, проблем быта и настроения. Развитию жанра способствовали социальные противоречия общества, распространение идей демократического мировоззрения.

Основой сюжета становилась повседневная жизнь:

• забавные и трагичные моменты;
• трудовые будни и праздничное веселье.

Изображения быта не избежали представители реализма, импрессионизма и постимпрессионизма как в России, так и в Европе. Но особенно к бытовой теме тяготели передвижники, которые старались донести правду о жизни народа.

Павел Федотов «Сватовство Майора»

Родился Павел Андреевич в 1815, ушел из жизни в 1852. Получил военное образование, но через несколько лет службы начал по вечерам посещать уроки рисования. Подав в отставку, полностью посвятил жизнь творчеству, которое из-за психического расстройства и тяжелой болезни оказалось непродолжительным.

«Сватовство майора» стало не просто центральной работой Федотова, но определило новый для России прием «композиция движения». Персонажи связаны между собой так, что создается впечатление случайного вторжения в частную жизнь. Полотно создавалось в двух экземплярах. Хотя сюжет одинаковый, присутствуют существенные различия в обстановке дома, в образах персонажей. И если вариант, хранящийся в Третьяковке, напоминает комедию, картина из Русского музея создает гнетущую атмосферу, вызванную нежеланным браком.

Василий Пукирев «Неравный брак»

Профессор появился в семье крестьян в 1832 г., ушел из жизни в 1890. Учился иконописи в Могилевской губернии, окончил училище живописи в Москве, преподавал рисование в гимназии. В бытовом направлении работал с несколькими темами – купеческой, крестьянской, исторической, хотя славу Пукиреву принес единственный холст.

Существует предположение, что в роли шафера в «Неравном браке» (1862, Третьяковка) Пукирев изобразил себя, а образ невесты списан с девушки, в которую Василий Владимирович был влюблен. Популярности полотна способствовала загадка с еще двумя призрачными невестами, которые, вероятно, олицетворяют покойных жен новобрачного.

В 1861 Священный Синод издал указ, осуждающий венчание пары со значительной разницей в возрасте. Однако на него мало кто обратил внимание. Трагизм картины сильнее повлиял на общество — неравные браки стали моветоном и заключались гораздо реже.

Василий Перов «Тройка»

Василий Григорьевич прожил недолгую жизнь — с 1833 по 1882 г. Однако его творчество стало одним из основных в реалистичном направлении. Испытывая нужду, молодой человек собирался бросить обучение в Москве, но был остановлен преподавателем, оказавшим помощь талантливому живописцу, впоследствии учредителю Товарищества передвижников и профессору Имперской академии.

Среди известных работ «Тройка», в которой Перов прибегнул к своему фирменному приему — осуждающему взгляду персонажей, направленному на зрителя. Трагические эмоции, возникающие при просмотре, полностью объясняют, за что критики прозвали мастера Тургеневым и Достоевским русского изобразительного искусства.

Борис Кустодиев «Купчиха за чаем»

Борис Михайлович (1878—1927) увлекался оформлением книг, создавая интересные иллюстрации, был декоратором и театральным художником. Как живописец, сначала добился известности в портретных зарисовках, но вскоре расширил жанр — делая больший акцент на окружающей обстановке и пейзаже. Особенно удавались Кустодиеву ироничные зарисовки, связанные с бытом купечества.

«Купчиха за чаем» написана в сложное время — шел 1918 год, уходила целая эпоха с уютом зажиточных домов и дородностью русских женщин. Любопытно, что всех своих героинь Кустодиев находил среди дам так называемого интеллигентного общества, чью внешность считал воплощением идеала красоты.

Илья Репин «Не ждали»

Потомственный казак родился в 1844 и скончался в 1930 г. Любовь к искусству Илья Ефремович получил от матери, которая читала детям классическую литературу. В 11 лет родители, заметив интерес сына к рисованию, отдали мальчика в топографическую школу, а затем к известному иконописцу. Впоследствии отучился в вечерней школе рисования и поступил вольным слушателем в Имперскую академию. Знаменитость Репину принесла бытовая живопись, в частности, воспевание тяжелого физического труда и сюжеты из семейной жизни.

Изначально героем «Не ждали» была женщина, но впоследствии персонаж был переделан. Нежданным гостем стал мужчина довольно гордой, революционной внешности. Репин продолжал вносить правки даже после размещения полотна в коллекции Третьякова — слуги не рисковали помешать мастеру творить. В результате главный герой приобрел черты, свидетельствующие о растерянности и отсутствии воли. Только спустя год по требованию разгневанного Третьякова Илья Ефремович вернул персонажу прежний облик.

Историческая живопись

Считалось, что работать в жанре могут только авторы, достигшие высшей ступени мастерства. В первой половине XVIII в России набирало популярность романтическое направление с мифологическими, религиозными и сказочными сюжетами. Но к XIX веку античных богов сменили реальные персонажи. Можно выделить несколько характерных для исторического жанра тенденций:

• религиозная — с описанием страданий святых, мучеников, земной жизни Мессии;
• мифологическая — с представлением древнегреческих, древнеримских или древнерусских божеств;
• аллегорическая — с зашифрованной идеей или философией, распознать которую могли только посвященные;
• литературная — по мотивам классических произведений;
• историческая — батальные сцены, важные события.

С течением времени в обществе усиливались демократические настроения, что сделало привлекательнее отражение исторической реальности России, ее драматизма.

Карл Брюллов «Последний день Помпеи»

Годы жизни — 1799—1952. Яркий представитель художественной династии, автор ряда исторических шедевров. Долгое время находился в Италии, где черпал вдохновение и обучался мастерству, путешествовал по Европе. Известен, как выдающийся портретист и последователь позднего русского романтизма.

«Последний день Помпеи» стал первым холстом в отечественном историческом жанре, на котором изображен простой, хотя и несколько идеализированный народ. Среди персонажей присутствует автор — спасающий кисти и краски художник. Для реальности событий Брюллов изобразил античные предметы, найденные на месте раскопок.

Александр Иванов «Явление Христа народу»

Мальчик, родившийся в 1806 г., должен был продолжить дело отца — профессора истории. Но больше времени юноша уделял рисованию. Будучи студентом, добился успеха настолько быстро, что преподаватели подозревали в авторстве родителя, а не сына. Больше 30 лет провел в Европе, изучая памятники искусства.

Создание «Явления Христа народу» заняло около 20 лет. Иванов тщательно отработал персонажей, для каждого выполнил несколько этюдов, но постоянно находил недостатки, которые исправлял несмотря на проблемы со зрением. Автор тщательно изучал Евангелия, посещал церкви в поисках натуры. Среди фигур купающихся можно заметить Николая Гоголя — близкого друга Александра Андреевича.

Василий Суриков «Утро стрелецкой казни»

Годы жизни – 1848—1916. Увлекался рисованием с раннего детства, учился в рисовальной школе Санкт-Петербурга, в Художественной академии. Большое влияние на творчество оказала любовь к музыке. Сам Василий Суриков отлично играл на гитаре, нередко исполнял музыкальные пьесы для друзей.

«Утро стрелецкой казни» посвящено истерическому событию, поэтому детали приближены к реальности того времени. Например, стены Кремля изображены серыми от побелки, как в годы правления Петра I. Для драматичности выбран ракурс, в котором нет излишне нарядных Царской и Спасской башен, а очертания остальных выглядят более приземленными. Илья Репин посоветовал Сурикову все-таки повесить одного стрельца. Однако на следующий день после внесенных изменений домработница Суриковых Паша, увидев лицо жертвы, подняла истошный крик, и барин решительно стер висельника.

Илья Репин «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года»

Илья Ефремович отдавал должное нескольким направлениям в искусстве, в том числе историческому. Его кисти принадлежат портреты представителей царских семей и творческих личностей, зарисовка событий, связанных с религией и политикой России.

Однако наиболее известным является холст, посвященный трагедии Ивана Грозного, которого долгое время обвиняли в смерти собственного сына. Представленная сюжетная линия вызвала волну негодования у публики, Священного синода и Александра III. Впервые в истории империи произведение изобразительного искусства было подвергнуто цензуре — запрету к выставлению в картинных галереях, к распространению иными способами. Сняли запрет спустя 3 месяца только благодаря собрату Репина по цеху, Боголюбову А.П., вхожему в императорский двор.

Илья Репин «Бурлаки на Волге»

Великое произведение чаще относят к бытовому жанру, но следует учесть, что на холсте запечатлена историческая правда о тяжести труда низших сословий на Руси. Для точного воспроизведения Репин сблизился с бригадой волжских бурлаков.

Законченное произведение вызвало споры — Достоевский восхищался, а министр путей сообщения критиковал за нелепость. Впоследствии почитатели таланта Ильи Ефремовича высказывали мнение, что идея возникла под влиянием стихотворения Некрасова. Однако сам Репин утверждал, что прочитал «У парадного подъезда» через 2 года после знакомства с бурлаками.

Портрет в русской живописи

Портретизм существовал на Руси еще в XV веке. Но его основным назначением было дать представление зарубежным невестам и женихам о внешности предполагаемого супруга. В 1551 г. на Стоглавом соборе было принято решение о разрешении изображать царственных особ, князей и простой люд. Благодаря закону, портретный жанр расцвел и принял бытовую форму.

Спустя век, Симон Ушаков открыл новое направление, парсуну, внеся изменения в прорисовку персонажей:

• добился анатомической точности;
• научился передавать портретное сходство, играя с тенью и светом;
• смог воспроизвести движение.

Начальные парсуны почти не отличались от икон, писались для надгробий. Сходство оставалось условным, изображались покойные на досках темпорой. И только в середине XVII века неизвестный создал с натуры серию портретов семейства Репниных на льняной ткани масляными красками.

Валентин Серов «Девочка с персиками»

Валентин Александрович (1865—1911) в 6 лет потерял отца и воспитывался в коммуне. С 1879 был вывезен к матери в Мюнхен, где и обучался рисованию сначала под руководством гравера Кеппининга, затем в Париже в мастерской Репина. Подростком вернулся в Харьковскую область, в 1880 стал вольнослушателем художественной академии. Писал на заказ царскую семью, состоял в совете Третьяковской галереи.

Портрет дочери богатого промышленника Мамонтова Серов начал спонтанно, вдохновленный видом раскрасневшейся девочки, забежавшей в дом. По воспоминаниям родственников, героиня позировала по несколько часов в день на протяжении 2 месяцев, хотя отличалась крайне неусидчивым характером.

Возможно, что внешность Веры Мамонтовой впоследствии использовал Врубель в «Египтянке», «Снегурочке», а также Тамары для иллюстраций к «Демону».

Виктор Васнецов «Аленушка»

Виктор Михайлович (1848—1926) сын сельского священника из Вятской губернии. Окончил духовную семинарию и продолжил обучение в художественной академии Санкт-Петербурга. Дополнительно обучался во Франции и Париже, был постоянным участником экспозиций передвижников. Увлекался национальным фольклором, иллюстрировал старинные сказки.

Для «Аленушки» позировала простая крестьянка, которую Виктор Михайлович встретил в подмосковной деревне Ахтырка. Авторское название, «Дурочка Аленушка», Васнецов объяснял не психическим расстройством героини, а трогательностью облика, напоминающего юродивых. Благодаря критикам, связавшим сцену с мотивами сказки, прижилось иное название — «Аленушка».

Иван Крамской «Неизвестная»

Знаменитый портретист (1837—1887) с 15 лет осваивал иконопись, с 16 ретушировал фотографии. В 20 лет стал студентом Императорской академии. После участия в «бунте четырнадцати» покинул стены образовательного учреждения и вошел в Петербургскую артель. Расписывал Московский Храм Христа Спасителя.

Шедевр портретного искусства, «Неизвестная», получил противоречивые отзывы. Поклонники таланта вынесли Крамского с выставки на руках, а критики отметили вульгарность и пошлость, о чем говорили одиночество дамы в открытой коляске, недопустимое для того времени, и сходство наряда с одеждой кокотки. Высказывались разные теории о личности героини — от дочери Крамского, Софии, до любовниц великих князей и морганатической супруги Александра II, Екатерины Долгоруковой.

Федор Рокотов «Портрет А. П. Струйской»

Происхождение портретиста неизвестно — Федор Степанович (примерно 1735-1808) состоял в Московском Английском клубе, куда приглашали только дворян, а мог быть крепостным и внебрачным отпрыском князя, получившим вольную. Обучался в Сухопутном Шляхетском корпусе, где наряду с математикой и военным делом преподавали рисунок, музыку.

Струйскую, внушившую автору трепетные чувства, порой называют российской Джокондой из-за таинственного взгляда, величественной позы и легкой полуулыбки. Саму модель не вдохновил душевный порыв портретиста, в парадных покоях молодая дама предпочла видеть парадный портрет в полный рост и в тяжелом наряде, украшенном фижмами. Вряд ли Александра Петровна думала, что вспоминать ее красоту будут не по стихотворным посвящениям мужа, а по слишком скромному по тем временам портрету.

Владимир Боровиковский «Портрет М. И. Лопухиной»

Владимир Лукич (1757—1825) из Миргорода добился известности в 31 год, благодаря популярности у дворянского сословия и членов императорской семьи. Отец портретиста был военным, но оставил службу, занялся церковными фресками и самостоятельно обучал азам искусства сына. Роспись дома, в котором при поездке в Крым остановилась Екатерина II, настолько приглянулась императрице, что вскоре молодой человек покинул провинцию и перебрался в Санкт-Петербург.

Камерный портрет придворной красавицы признается вершиной российского сентиментализма, но овеян дурной славой. Модель скончалась спустя 5 лет от чахотки, а отец Марии увлекался мистицизмом. В результате пошли слухи, что граф заключил душу дочери в холсте и теперь каждая девушка, взглянувшая на картину, может стать очередной жертвой. Ходили сплетни, что просмотр привел к гибели около 20 невест на выданье.

Российская школа предполагает собственный стиль, который существенно отличается от европейского. Потребовалось долгое время, чтобы достижения русской живописи были признаны как величайшие, наличие которых в выставочных экспозициях делает честь любой галерее.