Классицизм в живописи, 9 художников Западной Европы и их картины 17, 18 и 19 веков

В XVII—XIX вв. классицизм стал одним из ведущих художественных направлений в живописи Западной Европы. Художники, уставшие от показной парадности и роскоши барокко и рококо, вернулись к канонам античности. Возродив стиль творцов периода эллинизма, авторы стали создавать картины, в которых можно было явственно увидеть черты прошлых времен: сдержанность, строгость, и основные особенности этого направления — стройность композиции и отражение высоких тем.

История зарождение стиля классицизма в живописи

Яркими представителями классицизма в изобразительном искусстве можно назвать художников античности. Их творения создавались по особым канонам:

• гармония и простота, пропагандируемые Аристотелем;
• «золотое сечение» Платона и Пифагора;
• пропорции Поликлета.

Кризис эпохи Возрождения, резкие перепады в политической обстановке Европы и изменения социального строя, вызвало желание творческих людей вернуться к вечным темам и высокому искусству эпохи классицизма. Наибольшее развитие направление получило в живописи. В художественных произведениях авторов XVII—XIX вв. на первый план вышли благородство, героизм и нравственность человека. Для выражения замыслов использовались особые приемы — пластика, линейно-графическое начало и чистые цвета. Искусство отказалось от страсти и эмоций, в него вернулись порядок и гармония.

Французский классицизм развивался параллельно другому направлению — барокко. Но постепенно стиль барокко уступил более строгому направлению. Зрители и художники сравнительно быстро устали от театральности, помпезности и бурных страстей.

Этапы развития эпохи художественного классицизма

Распространение нового течения в изобразительном искусстве можно условно разбить на 3 периода. Искусствоведы, занимающиеся историей европейской живописи, считают, что определение «истинный классицизм» подходит только к первому этапу — его развитие определяют временным периодом с середины XVII по начало XVIII века.

Его малая родина — не законодательница стилей Франция, а Италия, хотя его основоположником стал француз Никола Пуссен, переехавший в Рим, чтобы иметь возможность стать ближе к наследию античностью. В этой стране вспыхнул интерес к творениям эпохи Возрождения, живописцы, считающие работы великих художников того времени, Леонардо и Рафаэля, вернулись к геометрическим формам. Но при этом они внесли много нового — например, сочетание цветов, заполнение пространства полотен. Развитие подпитали идеи математика и философа Декарта — в дальнейшем эту концепцию выразил Пушкин знаменитой фразой из трагедии «Моцарт и Сальери»: «Поверил я алгеброй гармонию». Художники стремились к идеалам античности, черпая вдохновение в мифологии.

Но расцветом классицизма в живописи можно считать вторую волну. Живописцы остались верны традициям античности, но божественного в их творениях стало намного меньше. Сознание просвещенных и передовых людей второй половины XVIII века быстро менялось. Бога уже не рассматривали как основоположника всего живого, творца мира — на первый план вышла наука. Период вошел в историю как «эпоха Просвещения».

Религию оттесняли, адепты точных наук — Вольтер, Дидро, Жан-Жак Руссо — подчеркивали свой атеизм. Гуманитарные учения рассматривали с с точки зрения точных наук и буквально разбирали составные части.

В это время во время раскопок Помпеи обнаружили новые образцы искусства Древнего Рима. Одним из выдающихся примеров в художественной культуре можно назвать виллу Папирусов — его постройка датирована I в. до н. э. Пробудившийся интерес к истории стал очередным толчком к возвращению античных идеалов, но уже в современных реалиях.

В этот период живопись классицизма разделили на жанры — высшие и низшие. К первой категории относились произведения, для создания которых художники обращались к истории, мифологии и религии. Считалось, что в них заключен особый смысл. Творения высокого жанра:

• парадные портреты;
• «благородные» пейзажи — величественные горы, безбрежный океан и т. д.;
• картины, сюжеты которых автор извлек из мифологии и истории.

Низшие считались «легкими», не требующими серьезного отношения и изучения. К группе причисляли натюрморты, пейзажи переменчивой природы, жанровые портреты. «Натурщик» не принимал торжественную позу, не облачался предварительно в парадную одежду.

Смешивать жанры не допускалось. Это означало, что царственную особу нельзя было изображать в домашнем одеянии или под деревом с поредевшими листьями.

В России развитие классицизма в живописи совпало со второй волной. Этот временной период у критиков даже получил название русского неоклассицизма.

Начало третьего этапа — угасания — совпал с периодом возвращения империи во Франции. К власти пришел Наполеон Бонапарт, и ему требовалось подчеркнуть собственное величие. В живописи воцарился культ личности. На полотна вернулись парадные портреты, дворцовые церемонии, батальные сцены. Поздний классицизм получил название «ампир», термин, созвучный со словом «империя». Чем больше художники изображали величие, тем большую неприязнь вызывали творения. Неудивительно, что в начале XIX века интерес к направлению угас, и его сменил другой стиль — реализм.

Основные черты, признаки и особенности стиля

Характерные отличия академического классицизма от других направлений:

1. Обязательное создание гармоничных композиций. Все детали и элементы связаны друг с другом, нет ничего лишнего. Заполнение полотен равномерно и симметрично.
2. Для создания глубины и объемных изображений художники использовали светотень.
3. Реальных людей не рисовали с натуры. Если и пользовались услугами натурщиков, то объединяли части фигур, создавая идеально развитые тела.
4. Все линии на полотнах были четкие, контуры предметов — ровные. Сложных и запутанных форм живописцы избегали.
5. Зрителю не приходилось додумывать, что находится «за деревьями», или «за стеной изображенного здания». Автор воплощал свои задумки полностью.
6. Центром композиции всегда были главные герои (или герой). Все остальные — и остальное, располагалось вокруг. По расстоянию от центра картины можно было отследить иерархию элементов или значимость персонажей.

Живописцы соблюдали все каноны античного классицизма в живописи, старались передать не только красоту внешнего мира и героев, но и идею, объединяющую композицию. Явственно прослеживалась связь между философией и современными научными открытиями эпохи Возрождения. Если на раннем этапе классицизма главенствовали логика и рациональность, то уже на второй стадии развития направления для выражения чувств использовали аллегории и символы.

Отличительной чертой классицизма и неоклассицизма является простота. Акцент делался на контур, а не на цвета. Предпочтение отдавалось изображениям людей с идеальными телами и фигурами — приукрашивали даже портреты. Старались приблизить героев к канонам красоты — «раскрывали» глаза, «увеличивали» лоб, переодевали в парадные одежды.

Живописцы решали трудные задачи. Они использовали жесткую постоянную конструкцию картины, и при этом гармонично сочетали все элементы. Благодаря подобному приему полотна художников до сих пор поражают элегантностью образов и ощущением величия. Их творения — вне времени и пространства.

Самые известные художники Западной Европы и их картины

Основным источником вдохновения живописцев, отдававших предпочтение высоким жанром, стали античные боги и современные герои. В отличие от барокко парадные портреты написаны в сдержанной манере, лица спокойные, полные сдержанного достоинства.

Никола Пуссен (1594—1665)

Его композиции сдержанные, каждая линия выверенная и четкая. Краски мягкие, теплые; живописец большое внимание уделил игре светотени. В его творчестве можно найти мифологические и религиозные сюжеты.

Произведения художника:

«Танец под Музыку Времени» или «Времена года». Главные герои — танцующие юноши и девушки, в центре полотна. Пуссен использовал аллегории. Течение времени в картине отображают нагие музыканты — мальчик с флейтой и старик с арфой. На заднем плане греческие боги — Аврора и Апполон. Это намек на вечность.

«Смерть Германика» называют примером стиля классицизма в итальянской живописи. Картина написана по римским мотивам. Ложе умирающего смещено к углу картины, что показывает, его уже списали со счетов, и скорбящие воины уже готовятся к перераспределению на иерархической лестнице.

«Аркадские Пастухи» — пасторальное полотно: пастухи в хитонах, мягкий величественный пейзаж. Легкая дымка намекает прекрасное прошлое.

«Брак» — религиозная сцена, обручение Иосифа и Марии. Строгие стены храма, скопление людей в скромных нарядах своего времени. Пара коленопреклоненных молодоженов перед священником. Аллегории, предсказывающие судьбу пары — белый голубь, воплощение Бога-Отца, и обнаженный плачущий младенец, от которого отвернулась мать — намек на страдания Спасителя.

«Вознесение Марии». Богоматерь в окружении ангелов поднимается над землей.

В работах Николы Пуссена явственно прослеживается переход от барокко и рококо к классицизму. В мифологической картине в стиле барокко «Триумф Нептуна и Амфитриты» — множество обнаженных фигур, буйство красок, страсть и чувственность. В позднем творчестве — строгость, гармония, сдержанность и туманная дымка.

Клод Лоррен (1600–1682)

Представитель французской классической школы XVII века. Сначала он выполнял заказные работы как гравер, но с 1642 года отдал предпочтение живописи.

Первой известной картиной считается «Пейзаж со скотом и крестьянами». Полотно прославляет величие природы. Справа — крестьяне, охраняющие скот. Но «главный герой» — величественная природа: пышные деревья; высокое небо с кучевыми облаками; поля, тянущиеся до горизонта.

«Сцена в гавани на закате» показывает, насколько ничтожен человек перед величием времени. Передний план — маленькие фигурки рыбаков, копошащихся около лодок, общающиеся дамы. Но взгляд на них останавливается только на мгновение: зритель впитывает волнующееся море, вечность римских руин и небо с надвигающимися тучами.

«Отплытие царицы Савской». Вновь великолепие природы — спокойное море, яркое небо, строгие линии древних зданий. И мелкие фигуры людей у лодок. И все это — в золотистом свете восходящего солнца.

У живописцев XVII в., работающих в стиле классицизма, пейзаж всегда дополнен фигурами людей. Мелкие фигуры символизируют вечность времени и природы, и быстротечность человеческого бытия.

Жак Луи Давид (1748—1825)

В 1780 г. творения художника оценили при дворе, он был приглашен в Королевскую академию. Жак Луи доверили фиксировать деяния Наполеона Бонапарта. Его излюбленный жанр — парадные портреты.

Он написал 5 конных портретов императора. Один из них — «Наполеон переходит через Альпы». Всадник в парадном мундире вытянул руку: он движется к победе. Мощный конь слегка приподнялся на задние ноги. Фигура животного написана анатомически правильно. А драпированная мантия за спиной императора в стиле греческих гиматиев — аллегория. Бонапарта приравнивают к мифическим персонажам Древней Греции.

На парадном портрете «Император Наполеон в своем кабинете в Тюильри» властитель изображен в парадном мундире. Обстановка скромная: напольные часы; слегка позолоченные колонны; множество свитков, указывающих на занятость императора. И вновь отсылка к античности — скульптура грифона.

«Ликторы приносят Бруту тела его сыновей» — на полотне разворачивается трагедия. Первый консул свободной республики Древнего Рима принес в жертву своих сыновей, чтобы сохранить политический строй. Удивительно, что художник, который брал подобные сюжеты для творчества, поддерживал императора, «задушившего» Французскую республику.

«Портрет Мадам Рекамье» — незаконченное творение. Светская львица возлежит на кушетке, как греческая куртизанка, в одежде, характерной для своего времени. Высокая греческая прическа и безэмоциональное выражение лица указывает на следование классическим канонам.

Художника вдохновляли мифологические сюжеты времен Римской империи. «Венера Разоружает Марса» — суровый бог поддается очарованию нагой богини. Три грации создают нужную атмосферу, а маленький Купидон, улыбаясь, развязывает сандалии воинственному Марсу. Это полотно завершает карьеру живописца.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867)

Живописец оставил после себя более 100 картин маслом и 4 тыс. рисунков. На творчество его вдохновил основоположник стиля Никола Пуссен. Но в последние годы жизни художник стал экспериментировать с ориентализмом.

Творения Жан Огюста Доминика:

«Большая Одалиска» — восточные мотивы перекликаются с классическими канонами. Обнаженная женщина возлежит на ложе, слегка опираясь на локоть.

«Портрет Наполеона I на императорском троне» — парадный мундир и яркая мантия в стиле Юлия Цезаря.

«Клятва Людовика XIII» — картина со сложным сюжетом. Ее можно назвать копией Сикстинской Мадонны. Но перед ликом Святой фигура правителя Франции, который дает обещание «царствовать справедливо». Табличку с клятвой держат два обнаженных ангелочка.

«Портрет Мсье Бертена» — французский писатель и коллекционер, являющийся одним из значимых членов французского высшего общества, изображен в скромном костюме. На портрете нет никаких лишних деталей.

«Портрет Мадам Муатесье» выполнен по классическим канонам. Спокойное лицо, волосы, убранные под повязку, свободная драпировка складок юбок. И — новое в творчестве — профиль модели, отражающийся в зеркале.

На многие картины Жан Огюста Доминика Энгра вдохновили сюжеты из прошлого — «Жанна д’Арк на Коронации Карла VII», «Послы Агамемнона в Шатре Ахилла» и др.

Якоб Филипп Хаккерт (Гаккерт) (1737—1807)

Творчество живописца, популярное среди современников, к XX веку оказалось полузабытым.

Его пейзажи написаны по канонам классицизма:

• светотень;
• локальный свет;
• преобладание коричневого на первом плане;
• серо-бело-голубого — на втором — при изображении неба;
• мелкие фигурки людей ли животных.

«Вид на Неаполитанский залив» — сдержанные краски, строгие линии, величественные деревья, под которыми сидят пастухи и отдыхают животные. А на горизонте вода сливается с небом.

«Сицилийский пейзаж с руинами храма»: холмы с остатками храмовой постройки, старые деревья, отдыхающие крестьяне и крупнорогатый скот.

Полотно «Осень: сбор винограда близ Сорренто» отличается от остальных творческих работ. Изображение природы — деревьев, виноградных лоз, дальнего селения и сливающегося с землей неба — исполнено не менее мастерски, как на других работах, но главные герои — крестьяне в красочных одеждах. Они распределены по группам, каждая из которых представляет отельную композицию.

В 1780-х гг. живописца пригласили в Россию для разработки парадной медали в честь победы флота России. Этот сюжет вдохновил его на картину «Разгром турецкого флота под Чесмой».

На батальном полотне изображение сражения — судна, лодки с матросами на веслах, огненный столб, окруженный клубами дыма. Грозное небо, напряженная атмосфера.

Шарль Лебрен (1619—1690)

Мастерство совершенствовал в Италии, копируя произведения Рафаэля и вдохновляясь творениями Пуссена. Он писал парадные портреты и полотна по библейским сюжетам. Шарль Лебрен расписал залы версальского дворца. Потолок покрыли фрески и плафоны множествам аллегорий и фигур мифологических животных.

Его парадные портреты до сих пор поражают величественностью героев. Правда, большинство из них дошли до потомков не в виде эскизов на картоне, а как копии на гобеленах.

Но есть возможность до сих пор любоваться полотнами с использованием библейских сюжетов:

• «Святое Семейство со спящим младенцем Иисусом»;
• «Мученичество Иоанна Евангелиста»;
• «Александр Македонский и Порус»;

Характерные признаки стиля живописца: множество тщательно выписанных фигур, гармоничные композиции, чистые цвета.

Портреты Шарль Лебрен писал редко. Одна из сохранившихся работ — «Портрет канцлера Сегье». Канцлер верхом на коне — выписаны только голова и шея животного, круп и ноги закрыты покрывалом. Вокруг придворного — свита, шесть пажей. Группа выглядит торжественно, и благодаря ярким одеяниям — декоративно.

Антон Рафаэль Менгс (1728—1779)

Художник часто посещает Италию, вдохновляется работами творцов античности, пишет картины на холстах и фрески.

Отказ от пафоса и распространение идеалов Просвещения можно увидеть:

• в «Марии с Младенцем и двумя ангелами»;
• «Поклонение волхвов»;
• «Сон Святого Иосифа».

Но больше Антон Рафаэль Менгс известен современникам как портретист. Ему позировал сам Фридрих Великий, царственные особы Саксонии и Италии, сама Екатерина Великая.

Генрих Фридрих Фюгер (1751-1818)

Его стиль характеризуется переходом от барокко и классицизму. В картинах отражены сюжеты из истории и мифологии, библейские темы. Но предпочтение Фюгер отдавал портретам.

«Казнь весталки» — на первом плане скорбящая женщина в темных одеждах. Вокруг нее толпа — кто-то полон сочувствия, но есть и любопытствующие, прикрывающие лицо руками.

«Портрет Марии Терезии де Бурбон» — молодая женщина в парадном платье, с шалью, драпированной на груди и заколотой камеей. Черты лица у модели мягкие, прическа в греческом стиле — локоны, заколотые на висках и открывающие лицо. Фон — богатая драпировка из багрово-красной ткани, тщательно выписана кисть — ухоженная, но пальцы не утонченно-аристократичные, а широкие.

Интересное решение портрета «Франца Иосифа, графа Заурау». Зритель видит лицо — умные глаза, благородство форм подчеркнуто белым стильным платком. Остальная часть фигуры и фон заретушированы.

Ян Ван Хейсум (1682—1749)

Работал в низшем жанре классицизма — писал натюрморты. Несмотря на то что к ним относились пренебрежительно, Ян Ван Хейсум всегда разрабатывал композиции и предварительные эскизы, а уже потом переносил задумки на полотно.

Картины выделялись из ряда подобных яркими красками, тщательным прописыванием мелких деталей. Фрукты и цветы «как живые», кажется, что они до сих пор излучают аромат.

Наиболее известные работы:

• «Ваза с цветами»;
• «Букет цветов в урне»;
• «Цветы, фрукты и насекомые»;
• «Мальвы и другие цветы в вазе»;
• «Цветы».

На раннем этапе классицизма живописцы старались подчеркнуть стремление к идеалам античности, их вдохновляли подвиги героев эллинизма и свободолюбие патрициев Древнего Рима. Но уже ко второму этапу они старались интерпретировать сюжеты к современным реалиям и экспериментировали с творческими подходами. Если бы не возвращение к помпезности ампира, идеализм в художественных произведениях наверняка получил бы дальнейшее развитие.