Музыка рококо является продолжением барокко и одновременно антагонистом торжественного стиля, популярного до начала XVIII века. Особенности музыкального направления выражались в упрощении композиции, в усилении эмоционального восприятия несложных мелодий путем насыщения изящными мелизмами. Наравне с композиторами впечатление от произведений создавали исполнители — виртуозы импровизации.
Особенности стиля рококо в музыке
Музыкальный рокайль возник во Франции в первой половине XVIII в. Стилю присущи камерность, галантность, изысканность, которые передавались использованием большого количества мелизмов. Главное требование к мелодии и сюжету — уход от монументальности. Музыка рококо, ее тема должны были служить для наслаждения, а не для духовных метаний.
В сюжетной линии было принято делать акцент на прелестных пастушках и античных героях, проводящих время на фоне очаровательного пейзажа. В основе мелодии лежал сюитный принцип с мельчайшими украшениями и вставками танцевальных мелодий — бурре, паспье, павана, менуэта.
Ведущим в музыке эпохи рококо стал клавесин — инструмент компактных размеров с негромким звучанием, идеальным для небольших домашних концертов, и с простой конструкцией, не требующей от исполнителя виртуозного мастерства. Также популярность получили скрипка, гобой и флейта. Приветствовались импровизации, вставочные танцы постепенно менялись, открывая простор для фантазии автора.
Рокайльные сочинения можно охарактеризовать как чарующие, прелестные, милые. Вариации исполнения на тему рококо рекомендовали сами авторы, оставляя на полях замечания «наивно», «весело», «галантно», «нежно».
Характерные черты и элементы
Отличить рокайль от предшественника, барочного стиля, можно по нескольким выраженным признакам:
- преобладание отточенных мелких деталей или завитков — мелизмов;
- отсутствие драматических сюжетов — даже в операх, кантатах, балетах;
- частое отсутствие связанной сюжетной линии — большие оперы могли представлять собою несколько феерических сюит с героями в маскарадных костюмах;
- непостоянство мелодии — она менялась, наполнялась различными звуковыми красками;
- сохранение настроение — позитивное ощущение не переходило в драматическое и наоборот;
- ведение музыкальной темы одним инструментом — полифоническое звучание использовалось скупо.
Сюитный рокайль был доведен практически до совершенства, после которого наступил упадок. К жанру сюиты с воцарением классицизма композиторы не прибегали почти 100 лет.
Форма
Основное отличие рокайльной композиции от барочной состоит в отсутствии монументальности. Для примера можно сравнить инструментальные сюиты Баха и Куперона. Сочинение Иоганна Себастьяна невозможно исполнять по частям, оно представляет собой единое целое. Сюиту Франсуа Куперона, более продолжительную по звучанию, легко разделить на отдельные части. Дробное исполнение не повлияет на смысловую и звуковую наполненность.
Практически все крупные композиции в рокайле подверглись измельчанию, когда каждый небольшой фрагмент представляет собой законченную форму. Наиболее популярными были произведения, удобные для исполнения во время званых обедов в поместьях дворян — они не мешали беседе, оставляли место как для фантазии автора, так и для импровизации исполнителя.
Гармония
Барочные сюиты и симфонии отличались сложной структурой, которая требовала от музыканта настоящего мастерства, доходящего до виртуозности. В рокайле используется простая и легкая конструкция, направленная на создание очаровательного прозрачного звучания.
Наиболее полно рокайльная гармония проявляется в опере и балете. В общую линию внедрены небольшие танцевальные эпизоды и вокальные арии, связанные только сюитным принципом.
Мелодия
Мелодичный рисунок рокайля достаточно простой, поэтому у ценителей музыки порой не вызывает большого интереса. Именно поэтому важным было умение исполнителя добавлять импровизации, следуя общему звучанию. Клавесинисту необходимо было вносить разнообразие ритма, слегка отклоняясь от заданной основной темы.
Орнаментика
Орнаментирование означает использование дополнительных нот и завитков для украшения мелодии. Добавочные элементы не вносят существенных изменений в гармонию основной темы, но позволяют исполнителю создавать собственную аранжировку, передавая слушателям личные впечатления от композиции.
Орнаментика применялась для украшения инструментальных и вокальных партий. Именно желанием орнаментировать композицию можно объяснить простоту мелодий эпохи рококо — композиторы, творящие в жанре, были уверены в мастерстве клавесинистов, в их способности добиться изысканного звучания импровизацией. Кроме того, важность имели пометки на полях, которые должны были создавать определенное музыкальное настроение.
Композиторы и их произведения
Наибольший вклад в развитие рокайля внесли Франция, Италия и Австрия. Творчество великих композиторов эпохи рококо до сих пор вызывает неподдельный интерес у профессиональных инструменталистов и взыскательной публики.
Луи Клод Дакен (1694-1772)
Французский клавесинист и органист, автор в жанре рокайльных композиций, уже в шестилетнем возрасте услаждал слух Людовика XIV. Прославился как мастер импровизации. Большинство произведений Дакена были утрачены, среди наиболее известных «Кукушка», «Первая книга пьес», «Застольная для голоса», «Новая книга нозлей».
Жан Жозеф де Мондонвиль (1711-1772)
Французский либреттист, скрипач, дирижер. Музыкальным образованием автора, внесшего значительный вклад в развитие рокайльной оперы, занимался отец, профессиональный органист. Дебютировал Жан Жозеф как скрипач, но уже вскоре опубликовал сборник сонат для скрипки.
После угасания рококо произведения Мондонвиля были преданы забвению. Но постепенно интерес возродился и на большой сцене можно услышать оперы, оперы-балеты и пасторали авторства французского композитора — «Титон и Аврора», «Дафнис и Альцимадура», клавесинные пьесы с вокалом и скрипкой.
Форкре Антуан (1672-1745)
Знаменитый французский гамбист, потомственный музыкант и сочинитель. В 1689 после выступления перед монархом Людовиком XIV получил место придворного музыканта. Обычно выступал в дуэте с женой, отлично играющей на клавесине. Написал ряд сочинений для виолы, которые позднее были переписаны его сыном для клавесина. Среди известных композиций, которые исполняют до сих пор — Куперен, Португалка, пьесы для альта, Сарабанда La D’Aubonne.
Гайдн Йозеф (1732-1809)
Основоположник симфонии и струнного квартета, австрийский композитор. Мелодия, написанная Гайдном, стала основой для гимнов Австро-Венгрии, а также Германии. Мальчик проявлял недюжинный талант к музыке, обучался хоровому пению. Наставником Йозефа был знаменитый Никола Порпора, который разрешил юному дарованию бесплатно посещать уроки, прячась за занавеской от остальных учеников.
При венском дворе работал в качестве свободного сочинителя, получил место капельмейстера князя Эстерхази с правом исполнять собственные композиции, был вхож в масонскую ложу. Пик творчества приходится на 1780-1790. В творческое наследие входят оратории «Сотворение мира», «Времена года», 24 оперы, струнные квартеты, скрипичные сонаты, симфонии.
Саккини Антонио (1730-1786)
Итальянский композитор и директор Римской консерватории. Оперы авторства Саккини ставились в Италии, Лондоне, Париже. Снискал славу изящными инструментальными эффектами. Автор духовной и камерной музыки, 2 симфоний, 8 ораторий и 45 опер. Особую известность получил в Британии, где прожил 9 лет и осуществил постановку своих знаменитых оперных произведений, которые значительно превосходили творения прочих сочинителей этого времени.
Куперн Франсуа (1668-1733)
Продолжатель обширной музыкальной династии жил и работал во Франции, был придворным органистом и клавесинистом. В наследие Куперна входит больше 250 клавесинных пьес, органные мессы и трактат об искусстве игры на клавесине. Композиции автора ценили за изящные мелизмы, напоминающие кружевное плетение.
Эпоха рокайля продлилась около 150 лет. Однако за это короткое время выросла плеяда великих композиторов, которая дала новое развитие музыкальным произведениям, помогла отойти от масштабности и тяжеловесности барочного стиля.
